بروز نت

خارج

Ambient طیف گسترده ای از انواع موسیقی را پوشش می دهد و بیشتر بر روی صداها تمرکز می کند تا ساختار موسیقی. هدف نهایی امبینت خلق آهنگی با استفاده از قطعات آوازی، سازهای مرسوم و غیر متعارف برای برانگیختن حال و هوای خاصی در مخاطب است. این سبک می تواند صدای خواننده هم داشته باشد اما بیشتر با وسایل موسیقی بدون کلام اجرا می شود. Ambient به یک حالت یا صدای خاصی محدود نمی شود و از این ایده پیروی می کند که می توان هر نوع فضایی را بدون وابستگی به ساختارهای نظری موسیقی و آهنگ ایجاد کرد. Ambience به دلیل استفاده از آن در بسیاری از سبک های موسیقی استفاده می شود. برای آشنایی بیشتر با سبک های موسیقی با موزیک باران همراه باشید.

بلوز

موسیقی بلوز یک سبک آفریقایی-آمریکایی است که با مناطق جنوبی ایالات متحده مرتبط است و از دل آوازهای کارگری، تصنیف ها و شعرهای غمگین بیرون آمده و تا پایان قرن نوزدهم در آن سبک باقی مانده است. این موسیقی با هارمونی 12 میله ای نواخته شد که البته به این فرم محدود نشد و بعدها تا حدودی برخلاف موسیقی کلاسیک غربی «نت های آبی» به آن اضافه شد.

در نیمه اول قرن بیستم، آمریکایی های آفریقایی تبار سبک جدیدی به نام ریتم اند بلو (به اختصار R&B) با ترکیب جاز، گاسپل و بلوز اختراع کردند. این ژانر بعدها به زیر شاخه های دیگری مانند دلتا بلو، پیمونت، جامپ بلوز و شیکاگو بلوز تقسیم شد. پس از جنگ جهانی دوم، بسیاری از نوازندگان، به ویژه در شهر شیکاگو، به بلوز الکتریک، سبک موسیقی متاثر از سبک راک اند رول روی آوردند. در مورد سایر نوازندگان بلوز راک، هارد راک و هوی متال نیز همین اتفاق افتاد. از آن زمان به بعد، به خصوص در حدود دهه 2000، با ظهور سنگ گاراژ، این سبک جان تازه ای پیدا کرد.

موسیقی کلاسیک

موسیقی کلاسیک از نظر تاریخی غنی است و تأثیر زیادی در نقاط مختلف جهان دارد و به همین دلیل است که می توان آن را اساس ژانرهای موسیقی در قرن بیستم دانست. همه سبک‌های موسیقی، چه بخواهند و چه نخواهند، ریشه در فرهنگ جامعه دارند، اما همچنان در زیر مجموعه موسیقی کلاسیک قرار می‌گیرند که مادر همه ژانرهای موسیقی است. این سبک با موسیقی محلی یا موسیقی سنتی همراه است.

موسیقی کلاسیک با حفظ ویژگی های فرهنگی خود، سبک های متنوع تری دارد و همواره تحت تاثیر فولکلور بوده است. در واقع این دو سبک موسیقی که مربوط به فرهنگ جامعه است، همپوشانی خاصی دارند. با این حال، برخی از ویژگی های مشترک وجود دارد که به ما کمک می کند بفهمیم یک ژانر محبوب چه زمانی و چگونه در دسته کلاسیک قرار می گیرد. می توان گفت موسیقی کلاسیک به دلیل جذابیت و ساختار پیچیده تری که دارد، بیشتر مورد توجه روحانیون، دستگاه های اجرایی و فرهیختگان است تا موسیقی عامه پسند. البته این حمایت به نوازندگان انگیزه می دهد تا موسیقی خود را با انرژی بیشتری گسترش دهند.

با توجه به عدم وجود موسیقی کلاسیک در جوامع غیر سلسله مراتبی، حمایت از چنین آهنگ هایی برای غنا بخشیدن به جنبه های اقتصادی، اجتماعی، علمی و مذهبی جامعه ضروری به نظر می رسد. علاوه بر این، تفاوت موسیقی کلاسیک و فولکلور را می توان بیانگر این تمایز دانست. این نوع موسیقی در سراسر جهان با نام های مختلفی از جمله «موسیقی جدی» در لهستان، «موسیقی مناسب» در کره و به طور کلی «موسیقی هنری» شناخته می شود.

کمدی

کمدی طیف وسیعی از ژانرهای موزیکال و غیرموسیقی را در بر می گیرد. اما قاعده رایج در ژانرهایی که از کمدی بیرون می آیند، طنز است. کمدی موزیکال حقایق فرهنگی جامعه را به شیوه ای طنز نشان می دهد و معمولاً از یک شعر خنده دار یا آهنگ رپ برای این کار استفاده می کند. کمدی غیر موزیکال شامل ژانرهای دیگری مانند کمدی اسکچ، استندآپ کمدی و تماس های شوخی می شود.

ما

کانتری سبکی از موسیقی عامه پسند با حدود یک قرن سابقه است. خاستگاه این سبک را می توان به منطقه آپالاش در شرق ایالات متحده و بخش جنوبی ایالات متحده که در آن زمان تحت سلطه موسیقی محلی ایرلندی و بریتانیایی بود، جستجو کرد. اولین نمایش گسترده سبک کانتری در مورد کمانچه، گیتار، بانجو و سایر سازهای زهی در اوایل دهه 1920 ظاهر شد. در اواخر دهه 1920 و اوایل دهه 1930، جیمی راجرز و خانواده کارتر از جمله قهرمانان این سبک بودند. سبک اجرای او یودلینگ و انجیل کانتری بود که در آن زمان به سبک اصلی کانتری تبدیل شد.

در طول دهه‌های 1930 و 1940، گرایش‌های انجیل و فیوژن ناپدید شدند و سوئینگ وسترن و هانکی تونک جای آنها را گرفتند. یکی دیگر از شاخه های سبک کانتری، بلوگراس بود که سال ها محبوبیت خود را حفظ کرد. در این زمینه، سبک های اولیه موسیقی کانتری، موسیقی فولکلور آمریکایی نامیده می شد که برای اولین بار در دهه 1940 در نمودارهای جوک باکس ظاهر شد. اولین نمودارهای جوک باکس کانتری در سال 1949 با نام‌های "جوک باکس هیلبیلی رکوردز" و "سوابق محلی جوک باکس" همراه با زیرژانرهای وسترن و کانتری بودند.

هانکی تونک تا دهه 1950 محبوبیت خود را حفظ کرد، اما از ابتدای دهه 1950، آثار هنک ویلیامز محبوب شد، اما در اواسط این دهه، سبک کانتری نه تنها محبوبیت داشت. به عنوان مثال، کارهای سبک Rockabilly که ترکیبی از موسیقی hillbilly و راک اند رول است نیز محبوبیت دارد. اما بحث اصلی تاثیر موسیقی کانتری، کانتری بوگی و آر اند بی و ظهور سبک راک است. در اواخر دهه 1950، به دلیل استفاده از تجهیزات و محصولات موسیقی بهتر، به ویژه کار گروه های بزرگ و شکل گیری بخش جدیدی از کشور به نام صدای نشویل، هانکی تونک محبوبیت یافت.

در اواخر دهه 1960 و اوایل دهه 1970، پاپ کانتری مرزهای بین ژانر کانتری و سایر موسیقی های معتبر آمریکایی را محو کرد. همچنین سبک کانتری راک باعث موفقیت بیشتر گروه‌های راک شد تا جذب مخاطبان کانتری. با این حال، این تغییرات برای مدت طولانی دوستداران سبک کانتری را راضی نکرد.

موسیقی کانتری در حال تبدیل شدن به محبوب ترین سبک موسیقی در ایالات متحده، به ویژه در جنوب و غرب میانه است. گاهی اوقات از عنوان "کشور جدید" یا "کشور اولیه" برای تمایز بین کشور معاصر و هانکی تونک از 30 سال پیش استفاده می کنند. اما در میان سنت گرایان، روندی وجود داشت که نتیجه بازگشت موسیقی کانتری به گذشته تاریخی خود بود.

رقصیدن

رقص دیسکو است. او را می توان مبتکر سبک های جدید موسیقی مانند رقص الکترونیک و رقص پاپ دانست. همانطور که از نامش پیداست، هدف آن ایجاد موسیقی مناسب برای رقص است.

الکترونیک

موسیقی الکترونیک ژانری از موسیقی است که سازهای الکترونیکی ساختار اصلی را تشکیل می دهند. این موسیقی که اغلب بدون کلام اجرا می‌شود، در اوایل توسط افرادی مانند ادگارد وارز و کارلهینتس استکهاوزن رایج شد و اغلب ترکیبی از الگوهای ریتمیک است که شامل حلقه‌ها، آژیرها، نوسانگرها و غیره است. اولین نوازنده ای که موسیقی الکترونیک با ملودی و ریتم ساخت، ریموند اسکات بود.

از دهه 1960 به بعد، با شروع فعالیت گروه هایی مانند سیلور اپل و وایت نویز، موسیقی الکترونیک به تدریج وارد سبک پاپ شد تا اینکه در نهایت به ظهور سبک هایی مانند سینت پاپ (سینت پاپ) یا تکنوپاپ منجر شد. این موسیقی محلی است و سینتی سایزرها همیشه در مرکز آن قرار دارند. البته این سبک مخالفانی دارد که فکر می کنند موسیقی الکترونیک مرده و بی روح است.

تجربی

این سبک که به عنوان موسیقی تجربی نیز شناخته می شود، آزادترین نوع آهنگ در تاریخ موسیقی است. موسیقی تجربی تا حد زیادی در آمریکای شمالی در اواسط قرن بیستم ظهور کرد. این سبک از تولید موسیقی بسیار انعطاف پذیر است. در این آهنگ ها انواع سازها مانند گیتار، ساکسیفون، ویولن سل و صدای انسان می تواند وجود داشته باشد. در این موسیقی آهنگساز می تواند از مواد غیرمنتظره ای استفاده کند که به طور گسترده در مناطق زیرزمینی مانند موسیقی صنعتی و بتن موسیقی استفاده می شود. به این ترتیب کلاژهای صوتی با ترکیب چندین صدا یا افکت تولید می شوند.

صداهایی که از این طریق تولید می شوند اغلب از محدودیت های موسیقی سنتی فراتر می روند. استفاده از مواد سنتی خارج از سیستم آموزشی باعث بهبود می شود که برنامه تعریف شده ای ندارد. آهنگ های تجربی صرف نظر از نوع اجرا، برخلاف سایر موسیقی ها ریتم و تمپوی خاصی ندارند و ساختار آهنگ می تواند شکسته شود.

موسیقی تجربی ریشه در موسیقی کلاسیک (قرن بیستم پس از میلاد)، جنبش هایی مانند فوتوریسم دارد. اولین نوازندگانی که به صورت آکادمیک وارد این سبک شدند افرادی مانند جان کیج، لوئیجی روسولو و پیر شفر بودند، اما هنرمندان خارج از دانشگاه به کار در سبک بداهه‌نویسی و جاز آزاد ادامه دادند، نوعی ادغام تجربیات موسیقی در آهنگ. با استفاده از همین فرآیند، دیگران مانند Einstürzende Neubauten و Supersilent از یک رویکرد تجربی استفاده کردند. از اواخر قرن بیستم، با ظهور ابزارهای الکترونیکی مانند سینت سایزرها و نرم افزارهای آهنگسازی، افراد بیشتری به عرصه آهنگسازی هجوم آوردند یا حداقل تجربه ای در آهنگسازی داشتند.

لازم به ذکر است که امروزه این کلمه به صورت تجربی به عنوان پسوند در تداوم انواع خاصی از موسیقی به کار می رود که معمولاً به تغییرات در ساختار یا ترکیب اصلی اشاره دارد. این تغییرات همانطور که از نامشان پیداست تجربی بوده و برای ایجاد یک سبک متفاوت یا جدید استفاده می شود. این اصطلاح به موسیقی الکترونیک نسبت داده می شود. به طور خلاصه، تجربی ژانری از موسیقی است که فرم خاصی ندارد و در جریان عمومی موسیقی جایگاه خاصی ندارد.

Feltopptak (ضبط میدانی)

گاهی اوقات ضبط میدانی به دلیل شباهت به ضبط صدا یا ضبط صدا به همین نام داده می شود. ضبط میدانی به هر ماده ضبط شده در خارج از استودیو اشاره دارد. از ضبط صداهای طبیعت مانند صدای آب، باد، حیوانات گرفته تا صداهای زندگی روزمره مانند راه رفتن و سر و صدای افراد، صدای بازی کودکان، سفر با قطار، ترافیک و جیرجیرک های شهری و غیره. این صداها معمولا در ژانرهای موسیقی دیگر مانند تجربی، محیطی، موزیک بتن و غیره استفاده می شوند. در تعریف کلی، این سبک را می توان به هر چیزی که خارج از استودیو ضبط می شود، از جمله مصاحبه، موسیقی زنده و غیره نسبت داد. اما چیزی که بیشتر به این سبک مربوط می شود، ضبط صدای محیط است.

ملت

فولک یک اصطلاح عمومی تر برای موسیقی است که ریشه در سنت های شفاهی جوامع انسانی دارد. این موسیقی به عنوان موسیقی فولکلور یا به عبارت دقیق تر، در اوایل قرن بیستم رشد کرد و در دهه 60 به اوج محبوبیت خود رسید، این موسیقی اغلب از قلب افرادی مانند کارگران، جوامع مذهبی، ضخیم و خانوادگی می آید. در این تعریف، مردم به هر گروهی اعم از ملت، قبیله، قبیله، پیشه، خانواده و غیره یا موسیقی سنتی نواحی مختلف مانند موسیقی محلی آمریکا، موسیقی قبیله کوهستانی، موسیقی محلی کانادا، آهنگ های کاری و شرقی اطلاق می شود. . موسیقی سنتی آسیایی

اکنون موسیقی محلی به دو دسته کلی سنتی و معاصر تقسیم می شود. فولکلور سنتی که بخشی از موسیقی کانتری محسوب می شود، شامل انواع مختلفی از موسیقی کانتری است. این ژانر را می توان پایه اصلی موسیقی فولکلور دانست. با نگاهی به تاریخ موسیقی فولکلور، می توان نشانه هایی از اختراع مجدد موسیقی و آغاز آهنگ هایی را دید که با ضرب آهنگ های مشابه اما در سبک های مختلف نواخته می شوند. در ابتدا سعی بر این بود که این نوع را به دو قسمت روستایی و شهری تقسیم کنند، اما امروزه همانطور که می بینیم در بسیاری از جاها این روش مردود است. در اواسط قرن بیستم، موسیقی فولکلور معاصر به گروهی از آهنگ‌ها اطلاق می‌شود که ریشه در موسیقی اروپایی و آمریکایی دارد.

هیپ هاپ

در دهه 1970، موسیقی هیپ هاپ در سواحل شرقی ایالات متحده آغاز شد. ریشه اصلی این سبک را می توان در سبک دی جی جستجو کرد که نوعی موسیقی رگی به حساب می آید و نمونه هایی از آن را می توان در سوابق دی جی کول هرک مشاهده کرد. دیگر نسخه‌های هیپ‌هاپ مانند دیسکو و فانک، این سبک‌ها را از خیابان‌ها و کوچه‌ها به شهرها آورد، به طوری که بین سال‌های 1980 تا 1990، شهر نیویورک و سپس بقیه آمریکا و کشورهای دیگر شناخته شدند. . . و هیپ هاپ در نهایت، با درگیر شدن ژانرهای جاز و سول، هیپ هاپ به شکل فعلی خود تبدیل شد.

جاز

در اوایل قرن بیستم در جوامع آفریقایی-آمریکایی در جنوب ایالات متحده ریشه گرفت. جاز تحت تأثیر سبک های دیگر موسیقی مانند بلوز و رگتایم و همچنین گروه های موسیقی تأثیرگذار مانند گروه برنج نیواورلئان قرار گرفت که خود آمیزه ای از موسیقی آفریقای شرقی و موسیقی ارتش اروپا بود. صداهای مورد استفاده در موسیقی جاز در طول قرن گذشته دستخوش تغییرات زیادی شده اند، اما بداهه نوازی هنوز یک عنصر اساسی در آهنگ های جاز است.

ژانر بلوز اولیه یک الگوی تماس و پاسخ تکراری بود که در میان سیاه پوستان آمریکایی واقع در مناطق روستایی به عنوان یک شکل محبوب موسیقی در نظر گرفته می شد و نوعی بداهه نوازی به حساب می آمد. در کنار بداهه نوازی، نت های موسیقی بلوز و پلی ریتم های همزمان به کار رفته در آن، شاخص خوبی برای شناخت پایه های اصلی سبک جاز است. این ژانر به طور موثر واژگان موسیقی خود را به تئوری موسیقی وارد کرده است تا ویژگی های منحصر به فردی مانند سوئینگ را بیان کند که یک احساس ریتمیک با فواصل مشخص بین بازیکنان است و استفاده گسترده از پیشرفت ii-V-I.

اولین سبک های شناخته شده این ژانر عبارتند از Dixieland از نیواورلئان در دهه 1910 و Stray، شکلی از موسیقی پیانو که از رگتایم ساخته شده است. زز به مدت دو دهه شکوفا شد تا اینکه پس از محبوبیت اولیه بین المللی خود، در اواسط دهه 1940، بیشتر تمرکز از نوسان رقص به یک سبک ریتمیک پیچیده تر به نام بی پاپ تغییر کرد.

تغییر به دو میخانه منجر به تمرکز بیشتر بر ویژگی های مجردها شد که در دهه های بعدی معمول بودند. بعدها بر خلاف این سبک احساساتی از نوعی جاز به نام کول جاز استفاده شد که نسخه آرام تری با تکنیک های نوازندگی ملایم بود. تنظیم کنترل شده این سبک باعث شد که تقلید از موسیقی کلاسیک به سومین موومان در موسیقی جاز تبدیل شود. بعدها، جاز آفریقایی-کوبایی و جاز سامبا، با الهام از موسیقی برزیل، جاز را به شکل غربی کنونی خود نزدیک کرد.

زیرمجموعه‌های جدیدی از جاز ساخته شدند و سبک مودال جاز پدیدار شد که از حالت‌های موسیقی به جای آکورد به عنوان چارچوب اصلی خود استفاده می‌کرد. پس از 10 سال، جاز آزاد ظاهر شد که خود مبنایی برای ایجاد سبک دیگری از جاز آوانگارد بود. در اواسط دهه 1960، در بحبوحه جنبش حقوق مدنی آمریکا، جان کولترین سبک جدیدی از جاز به نام جاز معنوی را ایجاد کرد که تحت تأثیر آهنگ های مختلف مذهبی، موسیقی غیر غربی و به ویژه محبوب آسیای جنوب شرقی بود.

ادغام مداوم سبک‌های موسیقی و ایجاد زیرشاخه‌های جدید جز، به‌ویژه ژانرهای موسیقی آفریقایی-آمریکایی، باعث پیدایش سبک‌های دیگری از جاز، جاز، فانک شد که شباهت‌های زیادی با سول جاز داشتند. با افزایش محبوبیت موسیقی راک در دهه 1970، جاز وارد راک شد و سبک های جاز دیگری مانند جاز راک و جاز فیوژن را به وجود آورد که روح بداهه نوازی هارمونیک در جاز را با تجهیزات الکترونیکی ترکیب کرد و در نتیجه موسیقی راک ریتمیک به وجود آمد.

البته این ترکیب خالی از انتقاد نیست و بسیاری از علاقه مندان به جاز سبک تلفیقی را اصلا ایده خوبی نمی دانند چرا که معتقدند چنین ترکیبی با روح جاز مغایرت دارد. علاوه بر این، بسیاری از بنیانگذاران این سبک، از جمله مایلز دیویس، از سبک هارد باپ به فیوژن و سپس به سمت نرم یا نرم حرکت کردند. در دهه 1990، با ظهور موسیقی الکترونیک، جاز عصر جدیدی به نام نئو جاز را آغاز کرد و تجربه جدیدی از جاز را به شنوندگان ارائه داد.

فلز

اگرچه منشاء دقیق هوی متال ناشناخته است، اما می توان تخمین زد که این سبک در اواخر دهه 1960 توسعه یافت. هوی متال لد زپلین تا حد زیادی تحت تأثیر گروه های راک بلوز معروف مانند Cream، The Rolling Stones و The Who قرار گرفت.

صرف نظر از اینکه چه کسی یا چه گروهی هوی متال را شروع کرد، دهه 1970 در اوایل دهه 1970 محبوب شد و بسیاری از گروه های هوی متال در بریتانیا و ایالات متحده در این سبک فعال هستند. گروه هایی مانند AC/DC، Judas Priest، Motörhead و Inin" Lizzy.

ویژگی اصلی متال اولیه شکل گیری خشونت بود. ریف های سخت، درام های سخت، تک نوازی های طولانی (اغلب با گیتار) و آواز با صدای بلند. در واقع در این سبک موسیقی بیش از هر چیز دیگری حس آشفتگی و خشونت را می شنوید. حتی در تولیدات استیج فلزی، انواع پوشش مشخص است. رنگ اصلی مورد استفاده در سالن مشکی است و مجریان معمولا جوراب های چرمی می پوشند.

اکثر خوانندگان و نوازندگان در این سبک موهای بلند مشکی دارند، به دنبال جنبش ضد فرهنگ هیپی در دهه 1960. اشعار استفاده شده در متال اغلب در تضاد با ارزش های فرهنگی و تمرکز بر جنبه های تاریک و تاریک است. چیزهای افسرده کننده مانند شیطان پرستی، بی خدایی، مواد مخدر، جنگ، مرگ و خودکشی

نماد اصلی هوی متال فرشته اخراج شده از بارگاه الهی یعنی ابلیس است و در این سبک با جسارت به عنوان شیطان پرستی، رفتار ضد اجتماعی و توصیه به فردیت و تنهایی به تصویر کشیده می شود.

از اوایل دهه 1970، متال به زیر ژانرهای زیادی تقسیم شده است که هر کدام موضوع و ویژگی های خاص خود را دارند. برای مثال (دث متال) زیربخش بسیار تهاجمی متال به حساب می‌آید که موسیقی آن با طبل‌ها و تمپوهای سریع با ساختار پیچیده موسیقایی و تاکید بر جنایت و فعالیت‌های غیرقانونی گوش‌خراش است.

از سوی دیگر، بلک متال زیرمجموعه ای از متال است که بیشتر بر روی تولید موسیقی Lo-Fi تمرکز دارد تا شدت صداهای خشن، آهنگ های غیرمعمول و اشعار ضد شیطانی و ضد مسیحی را افزایش دهد. اگرچه تفاوت های زیادی بین سبک های مختلف متال وجود دارد، اما پیام اصلی متال که از ابتدای شکل گیری آن وجود داشته، در همه آنها وجود دارد و آن فردگرایی است.

دوران جدید

موسیقی عصر جدید اغلب بر ملودی های آرام و آرامش بخش (برای مدیتیشن) تمرکز می کند. این موسیقی انواع مختلفی دارد: به عنوان مثال، عصر جدید الکترونیک مبتنی بر سینت سایزر، نت های طولانی و بلند و درام سازی سبک است. در دوره جدید آکوستیک از سازهایی مانند فلوت، پیانو و گیتار برای ایجاد فضایی آرام استفاده می شود، اما گاهی از نمونه های دیجیتالی این سازها نیز استفاده می شود.

برخی از هنرمندان مشهور این سبک عبارتند از: Mike Oldfield، Enigma، Popul Wu و Vangelis. بسیاری از هنرمندان این سبک، فرمی از موسیقی محلی یا کلاسیک را در آثار خود گنجانده اند تا صدایی متمایز و منحصر به فرد ایجاد کنند. به عنوان مثال، Enya و Clannad ژانر سلتیک نیو ایج را ایجاد کردند و New Age را با موسیقی محلی سلتیک ترکیب کردند. به طور مشابه، کوزکو و مدوین گودال موسیقی آمریکایی را به سبک عصر جدید آند اجرا کردند.

ترکیدن

موسیقی پاپ بیش از هر سبک دیگری تحت تأثیر اقتصاد، تولید انبوه و بازاریابی قرار گرفته است که برای اولین بار در قرن نوزدهم تلاش کرد تا محبوب شود. این اولین باری بود که ترانه سراها توانستند بدون نیاز به تور یا حمایت از گروه ها درآمد مستقلی کسب کنند. اختراع سیم پیچ های گرامافون در اواخر قرن نوزدهم و مهمتر از آن، فناوری ضبط موسیقی در اوایل قرن بیستم، استاندارد آهنگسازی و امکان انتشار انبوه آثار موسیقی را یک گام به جلو برد.

در اوایل دهه 1900، موسیقی غیر کلاسیک بیشتر به عنوان موسیقی عامه پسند شناخته می شد تا پاپ. با این حال، موسیقی محبوبی که از سال 1900 تا 1940 در بین مردم آمریکا طنین انداز شد، اغلب به عنوان موسیقی پاپ سنتی شناخته می شود. اقتصاد پررونق پس از جنگ جهانی دوم و ظهور راک اند رول، عصر جدیدی از رژیم گرفتن در بین جوانان را آغاز کرد و در این دوره بود که محبوبیت افراد مشهور آغاز شد. بیشتر منابع نشان می دهند که اصطلاح پاپ قبل از دهه 1950 استفاده می شد، اما پاپ به عنوان یک پدیده فرهنگی در دهه 1950 ظهور کرد.

از آنجایی که پاپ مخفف موسیقی عامه پسند و تغییرات محبوب در طول زمان است، به کار بردن این اصطلاح برای سبک خاصی از موسیقی کمی مشکل است. با این حال، اکثر آهنگ های پاپ دارای ویژگی های مشترکی مانند محبوبیت، ملودی جوان پسند، اشعار مدرن و دسترسی آسان هستند که مطابق با سلیقه جامعه به ویژه جوانان است. آهنگ های پاپ اغلب توسط گروه های بزرگ موسیقی و آهنگسازان حرفه ای ساخته می شود.

موسیقی پاپ بیشتر از موسیقی راک بر خواننده یا خواننده تاکید دارد و ساختار موسیقایی آن نظم خاصی دارد. به عنوان مثال، همه آهنگ های پاپ در ابتدا دارای یک مقدمه یا مقدمه هستند و سپس قسمت های آوازی به ترتیب خاصی تنظیم می شوند. در دهه 1960، گروه بریتانیایی بیتلز، یکی از غول های سبک راک، با تغییر نت ها چالش جدیدی را برای سبک پاپ ایجاد کرد. در دهه 1970 بسیاری از راک های نرم به موسیقی پاپ روی آوردند. در پایان دهه، سبک دیسکو که از پاپ گرفته شد، منجر به ظهور ژانر رقص-پاپ شد که بر رقص و حرکات موزون تأکید داشت.

پاپ و R&B همیشه در تضاد مستقیم و غیر مستقیم هستند. در دهه 1980، با ظهور افسانه هایی مانند مایکل جکسون، مرزهای موسیقی پاپ دوباره تغییر کرد. در قرن بیست و یکم، موسیقی هیپ هاپ تأثیر بیشتری بر موسیقی پاپ دارد و بسیاری از ستاره های پاپ از تولیدکنندگان موسیقی هیپ هاپ برای آهنگ های خود استفاده می کنند. در نهایت، موسیقی پاپ از محبوبیت جهانی (پاپ ایرانی، پاپ هندی، پاپ کره ای و...) برخوردار است و این به خوبی نشان دهنده نفوذ این سبک به عنوان یک جریان اقتصادی در بین مصرف کنندگان است.

پانک

پانک یکی از سبک های موسیقی است که به سادگی، صداقت و انسانیت معروف است. اگرچه ریشه پانک را می توان در پروتو پانک و راک گاراژی دهه 1960 جستجو کرد، موفقیت بزرگ این ژانر با سبک پانک راک یک دهه بعد به دست آمد. از آن زمان، پانک به سبک های دیگری مانند هاردکور پانک، الکترونیک، متال و اسکا تبدیل شد. برای دانلود آهنگ خارجی به این سبک کلیک نمایید.
 
R&B

ژانر R&B (به اختصار ریتم اند بلوز) شامل موسیقی آفریقایی آمریکایی است که برای اولین بار در اواخر دهه 1940 ظاهر شد، از اصطلاح ریتم اند بلوز تا فرم معاصر R&B در دهه 1980. در طول دوره ای که عنوان R&B ناپدید شد (یعنی اواخر دهه 1960) تا ظهور مجدد آن در دهه 1980، دو ژانر روح و فانک در جوامع آفریقایی-آمریکایی محبوب شدند. هر دوی این ژانرها در دهه اول فعالیت خود به شدت تحت تاثیر سبک R&B قرار گرفتند، بنابراین زیرمجموعه ای از آن محسوب می شوند. شخصیت های اصلی این ژانر جیمز براون، آرتا فرانکلین، The Temptations و Stevie Wonder هستند.

در اوایل دهه 1950، این اصطلاح شامل ژانرهای دیگری مانند جامب بلوز و فرم های اولیه راک اند رول می شد. اما چیزی که امروزه بیش از هر R&B دیگری خوانده می شود، سبک است، مانند فرم های اولیه ریتم اند بلوز، دوووپ و آر اند بی نیواورلئان. با ظهور هیپ هاپ در دهه 1990، چتر گسترده ای که کلمه R&B در موسیقی آفریقایی آمریکایی از انواع مختلف داشت، کاهش یافت. اگرچه این ژانر با هیپ هاپ به گسترش خود ادامه می دهد، این تأثیر گاهی اوقات به شکل هیبریدهای جدید مانند نیو جک سوئینگ ظاهر می شود.

آر اند بی، سول و فانک ژانرهایی هستند که بر موسیقی آمریکایی تأثیر گذاشتند و به ایجاد سبک های دیگری مانند آر اند بی بریتانیا، سول لاتین و آفروبیت کمک کردند. R&B همچنین به شدت تحت تأثیر سبک های پاپ و دیسکو قرار گرفت. شایان ذکر است که اصطلاحات ریتم اند بلوز و مخفف آن R&B اولین بار در اواخر دهه 1940 توسط بازاریابان برای اشاره به موسیقی سیاه پوستان آمریکایی استفاده شد.

این اصطلاح به عنوان جایگزینی برای موسیقی نژادی استفاده می شد که تا آن زمان برای اشاره به ژانر موسیقی محبوب سیاه پوستان آمریکایی استفاده می شد. اما بعداً این مخفف اغلب برای شکل معاصر R&B استفاده شد. همچنین، این مفهوم که R&B شامل سول و فانک است، دیگر پذیرفته نشده است و به طور کامل یک ژانر جداگانه در نظر گرفته می شود. آنچه مسلم است تاریخچه نمودارهای مجله بیلبورد است که سردرگمی زیادی در بین مخاطبان ایجاد کرد. با این حال، امروزه R&B در شکل معاصر خود شناخته شده است و نسخه های دهه های اولیه آن به ندرت ذکر می شود.